Van Gogh - An der Schwelle zur Ewigkeit (2018)

Porträt des Künstlers im Untergang

Eine Filmkritik von Lucas Barwenczik

Erscheint ein Maler durch die Augen eines Malers anders als die übrige Menschheit? Sieben Wochen lang lebten Vincent van Gogh und Paul Gaugin im Jahre 1888 zusammen in einem kleinen gelben Haus im südfranzösischen Arles. In dieser Zeit porträtierten die Künstler den jeweils anderen. Bei van Gogh ist Gaugin abgewandt, ein Rücken mit einem halben Gesicht, ein flüchtiger Fremder oder verlorener Freund. Umgekehrt ist Gaugins van Gogh ruhiger als in seinen Selbstporträts, vollkommen konzentriert und fast friedlich. Und natürlich, wie könnte es anders sein, zeigen beide Bilder die Künstler beim Malen. Pinsel auf Leinwand, die Suche nach der Schönheit der Welt und in ihrem Inneren, das verbindet und definiert sie.

Jetzt porträtiert Julian Schnabel – schon lange vor seiner Filmkarriere ebenfalls ein erfolgreicher Maler – Vincent van Gogh. Der Neo-Expressionist nimmt jedoch die Kamera, nicht den Pinsel, um den Post-Impressionisten auf die Leinwand zu bannen. Die Filmbiografie Van Gogh – An der Schwelle zur Ewigkeit zeigt seine letzten Wochen bis zum Tod. Seine psychischen Probleme, einen allgemeinen Verfall.

Das Vergessen ist ihm dabei ein steter Begleiter, schon in den ersten Momenten monologisiert van Gogh (gespielt von Willem Dafoe) aus dem Nichts heraus. Den ganzen Film hindurch droht diese düstere Leere, das Gegenstück zum ewigen Leben in Galerien und Erinnerungen, die sich wohl die meisten Künstler erhoffen. Wo van Gogh die Kontrolle über sich verliert, wird das Bild schwarz. Immer wieder drängt die Dunkelheit in den Film. Filmrisse, Löcher in der Zeit. In einem Gespräch berichtet der Maler von seiner Liebe zu Shakespeare und hebt seine Begeisterung für eine Sprache hervor, die nicht nur aufdeckt, sondern auch verschleiert. Schnabels Porträt lebt von den Mysterien im Leben des Künstlers, von den Halbschatten und ungeklärten Rätseln. Weshalb hat er sich sein Ohr wirklich abgeschnitten? Wie kam es zu seinem Tod? War es Selbstmord oder tragen andere die Schuld? Seine Szenen verbindet Van Gogh nur lose. Sprunghaft folgen zunehmend vereinzelnde Momente auf den nächsten. Im Laufe des Films nehmen die Leerstellen zu – die Einschläge kommen näher. Fast glaubt man, die Geheimnisse hätten den Maler getötet. Verschluckt vom Unbekannten.

Natürlich sucht Schnabel einen neuen Zugang zu dem Künstler, der so oft wie kaum ein anderer im Kino gezeigt wurde. Van Gogh wurde von Kirk Douglas gespielt, von Benedict Cumberbatch, Tim Roth und Jacques Dutronc; Kurosawa und Renais haben sich seiner angenommen, zuletzt ließ man einen ganzen Animationsfilm in seinem Stil malen.

Man kann Schnabel durchaus loben: Er hat tatsächlich Interesse an dem Künstler, nicht nur an der dramatischen Figur. Wie Gaugin und van Gogh will er einen Maler durch seine Arbeit definieren. Es werden nicht einfach Checklisten abgearbeitet, weder althergebrachte Liebesgeschichten noch tranige Familiendramen schließen sich als Korsett um den Künstler. Stattdessen werden Impressionen gesammelt.

Der Film will auf, in und durch Vincent van Gogh blicken. Zuerst wundert man sich über die Kamera, die sich nicht mit der sterbenslangweiligen Behäbigkeit des durchschnittlichen Biopics bewegt. Stattdessen zappelt eine entfesselte Handkamera durch die Filmwelt. Das Ende des 19. Jahrhunderts soll durch moderne Technik gegenwärtig werden, the artist is present. Sie wackelt beim Rennen, kniet sich in die Froschperspektive, liegt gekippt auf dem Boden oder gleitet sanft über Gesichter. Sie senkt sich herab, um Schuhe zu filmen – natürlich nur, damit sie kurz daraufhin gemalt werden können. In der Subjektiven ist die untere Hälfte des Bildes unscharf. Schon im Leben hat der Maler nur noch Augen für den Himmel.

Wobei: „Die Essenz der Natur ist Schönheit“, verkündet van Gogh einmal, und ganz nach diesem Motto beobachten wir ihn oft bei dem Versuch, sich in seiner Umwelt zu verlieren. Wie in einem Film von Terrence Malick turnt er durch Wälder und Wiesen, streut wie bei einem vorgezogenen Begräbnis Ackererde über sein Gesicht und lässt sich vom morgendlichen Gegenlicht verschlucken. Gerade am Anfang des Films wird deutlich, was er am Leben liebt, was alles bald verloren gehen wird. Diese Szenen würden wohl (noch) kitschiger geraten, wäre da nicht immer Dafoe, der auch luftige Momente erdet. Van Gogh – An der Schwelle zur Ewigkeit schaut man wegen Dafoe oder gar nicht. Wegen seinem zahnigen Lächeln. Wegen der Energie, die beim Wechsel von der Manie zur Trauer frei wird. Wenn irgendwo in diesem soliden Film wirklich etwas Ewiges zu entdecken ist, dann in den oft weit aufgerissenen blauen Augen, die immer schon über das Gegenwärtige hinauszublicken scheinen.

Mit den vielen expressionistischen Verzerrungen, die durch diese Augen blicken lassen sollen, geht der Regisseur nicht sonderlich konsequent um. Manchmal schaut das Publikum offenkundig der Sichtlinie des Künstlers nach, ohne dass seine Sicht getrübt wird wie sonst. Schnabel hat keine klare visuelle Strategie, sondern einen polymorphen Zugang, der wie van Gogh immer neue Blickwinkel sucht. Die Vielperspektivik von Facettenaugen, ein Kubismus, der den Entstehungsprozess in jede Szene einschreibt. Wie ein Maler auf der Suche nach dem richtigen Winkel, um das wahre Wesen seines Gegenstandes einzufangen. Allein, wirklich fündig wird Schnabel so nicht. Nicht jedes filmische Mittel findet eine greifbare Entsprechung, manches wirkt eher willkürlich als frei.

Offensichtlich soll der Stil auch van Goghs psychische Problem sichtbar machen. Gesprächsfetzen wiederholen sich und überlagern einander, alles schreit Desorientierung und kündet von innerer Unruhe. Unangenehm verschmilzt das künstlerische Auge mit dem Erkrankten. Futter für das langweilige und fragwürdige Klischee über den schmalen Grad zwischen Genie und Wahnsinn.

Auch wo die Dialoge den Film übernehmen, schwächelt er. Plötzlich wirkt alles auf kuriose Weise didaktisch und kunsthistorisch, allzu plakativ werfen die Figuren mit Diskursbrocken umher. Oscar Isaac spielt den wanderlustigen Paul Gaugin. Er bedeutet van Gogh bald sehr viel. Natürlich kann den Mann, den es von der Bretagne in die Karibik und später nach Polynesien verschlägt, nur wenig im provinziellen Südfrankreich halten. Oscar Isaac spielt den Spätimpressionisten mit dem Charisma eines etwas abseitigen Rockmusikers, irgendwo zwischen Star und Untergrundliebling. Ein getriebener, (noch) junger Wilder. Sie albern herum und träumen von Revolutionen und neuen Pfaden. Wo ihre abweichenden Kunstverständnisse aufeinandertreffen, scheint die Leinwand eine Drehbuchseite zu werden. Vielleicht ein Recherche-Überschuss, der sich als Ödnis im Film entlädt. Szenen mit Mads Mikkelsen als Priester und Mathieu Amalric als Doktor verlaufen ähnlich. Man wünscht sich weniger Prominenz.

Menschlicher und sanfter wird die Beziehung zwischen Vincent und seinem Bruder Theo geschildert. Der kleine Bruder ist der reifere, fast eine Vaterfigur. Nach einem besonders schlimmen Ausfall liegt der Maler in den Armen seines Finanziers, wie ein hilfloses, aber endlich geborgenes Kind. Dafoe verliert seine Spannung, etwas fällt von ihm ab, und eigentlich ist zu der Beziehung alles gesagt.

Er spielt einen körperlichen van Gogh, einen vitalen. Einen, der so traurig ist wie sein Gemälde „An der Schwelle zur Ewigkeit“ und manchmal so warm wie das Licht um seine schönsten Sonnenblumen. So findet also eher der Schauspieler und weniger der Künstler einen van Gogh, den man zuvor nicht kannte.

Quelle: www.kino-zeit.de/film-kritiken-trailer-streaming/van-gogh-an-der-schwelle-zur-ewigkeit-2018